John Coltrane A love supreme

A Love Supreme est un album-concept de John Coltrane enregistré en 1964. Il est considéré comme un album majeur du jazz, l'un de ses plus grands chefs-d’œuvre, l'un des plus connus et des plus accessibles.
Sommaire  [masquer]
1 Historique
2 Enregistrements
3 Réception
4 Citations
5 Titres
6 Composition du quartet
7 Bibliographie
8 Hommage
9 Notes
Historique[modifier | modifier le wikicode]

Il s'agit d'une composition en quatre mouvements enregistrée en une seule séance le 9 décembre 19641 au studio de Rudy Van Gelder (Englewood Cliffs, New Jersey, USA) et produit par Bob Thiele pour le label Impulse!. L'album fait suite à Crescent, enregistré la même année, plus contemplatif mais qui déjà amorçait un virage dans la carrière de Coltrane.
Le quartet mythique de Coltrane, alors en pleine maturité, était sur le chemin d'une inéluctable séparation2. Deux autres versions de Acknowledgement ont été enregistrées le lendemain (le 10 décembre 1964) avec le saxophoniste ténor Archie Shepp et le bassiste Art Davis. L'unique version enregistrée en direct de la suite A Love Supreme date du 26 juillet 1965 lors du festival d'Antibes, et a été publiée officiellement par Impulse! avec l'album original3.
L'album marque le tournant spirituel de Coltrane. Par sa profonde sérénité et son mysticisme, c'est une ode à sa foi et à Dieu, celui des différentes religions : les quatre longues compositions forment une vaste prière. Il cherche à atteindre un certain niveau de transe pour s'approcher de Dieu. C'est l'œuvre la plus spirituelle de Coltrane4.
Les éléments de liberté harmonique, l'atonalité en particulier, sont précurseurs des changements à venir dans la musique de Coltrane et du free-jazz; avant-gardiste il pousse le jazz de plus en plus loin et atteindra les limites de l'improvisation sur une trame modale. John Coltrane exprime successivement l'inquiétude, la tension, l'exaltation et l'apaisement5.
Enregistrements[modifier | modifier le wikicode]

La première minute d' Acknowledgement débute par un coup de gong suivie d'une très courte intro au saxophone. Puis Garrison avec quatre notes à la contrebasse introduit le motif : chaque son cadence le titre A Love Supreme. Ce riff emprunté au blues est suivi par le piano de Tyner. À la fin du titre Coltrane reprendra l'air comme un leitmotiv et alignera ces mesures trente-sept fois de suite en alternant graves et aigus, puis dix-neuf fois en chantant "A Love Supreme". La voix est rajoutée en overdub après avoir été enregistrée le lendemain.
Alors qu'Acknowledgement est enregistré en une seule prise, Resolution nécessite six essais dont quatre interrompus avant la fin. Resolution est le mouvement le plus classique des quatre. À noter le solo de Tyner qui devient un modèle pour de nombreux pianistes.
Pursuance et Psalm auront été enregistrés d'une seule traite avec un solo remarquable du batteur Jones.
À la fin de Psalm intervient un deuxième saxophoniste auprès de Coltrane. Rudy Van Gelder se souvient que Coltrane avait enregistré ces notes lui-même en re-recording6. De même Garrison avec un archet sur la contrebasse et Jones à la batterie se rajoutent en overdub sur l'enregistrement initial créant ainsi un septet virtuel.
Réception[modifier | modifier le wikicode]

Même si à sa sortie l'album dérouta le public, il reste l'un des plus grands succès du jazz avec plus d'un million d'exemplaires vendus.
En 1965 l'album fut nommé pour deux Grammy et Coltrane sélectionné par les lecteurs de Down Beat comme étant le saxophoniste ténor de l'année.
En 2003, l'album est classé 47e des 500 plus grands albums de tous les temps par le magazine Rolling Stone7.
L'album marquera l'apogée commerciale de John Coltrane, les suivants jugés trop avant-gardistes seront progressivement délaissés par les fans.
Citations[modifier | modifier le wikicode]

Dans la note de pochette Coltrane écrit :
« Pendant l'année 1957, j'ai connu par la grâce de Dieu un réveil spirituel qui allait me conduire à une vie plus riche, mieux remplie, plus productive. À cette époque, en signe de gratitude, je Lui ai humblement demandé qu'Il me donne les moyens et le privilège de rendre les autres heureux à travers la musique. J'ai le sentiment que cela m'a été accordé à travers Sa grâce. Louange à Dieu !8 »
Et aussi:
« La dernière partie constitue la narration musicale du thème, "A Love Supreme", qui est écrit dans le contexte. 9 »
Titres[modifier | modifier le wikicode]

Tous les titres sont des compositions de John Coltrane.
Face 1
Part 1: Acknowledgement – 7:47
Part 2: Resolution – 7:22
Face 2
Part 3: Pursuance - 10:45
Part 4: Psalm – 7:08
Composition du quartet[modifier | modifier le wikicode]

John Coltrane : saxophone ténor et voix
McCoy Tyner : piano
Jimmy Garrison : contrebasse
Elvin Jones : batterie
Ce quartet (1962 à 1965) est l'un des plus célèbres de l'histoire du jazz. Il reste encore aujourd'hui la figure la plus emblématique du jazz modal.
Le pianiste McCoy Tyner habitait dans le même quartier à Philadelphie que Coltrane. Ils jouent ensemble depuis 1957 et il fait partie de la formation de Coltrane de 1960 à 1965.
Elvin Jones, à la batterie, accompagne Coltrane de 1960 à 1966 après avoir joué avec Sonny Rollins.
Jimmy Garrisson, ancien contrebassiste de Bill Evans et d'Ornette Coleman complète le quartet en 1962 en remplaçant Reggie Workman, il accompagnera Coltrane jusqu'en 1967.
Bibliographie[modifier | modifier le wikicode]

(en) Ashley Kahn, A Love Supreme: The Creation of John Coltrane's Classic Album, Granta Books, 24 octobre 2002, 256 p. (ISBN 186207545X)
Livre entièrement consacré à l'album (en anglais), avec une préface signée Elvin Jones.
Lewis Porter, John Coltrane - Sa vie, sa musique, Outre Mesure, coll. « Contrepoints », 30 mai 2007, 384 p. (ISBN 2907891596)
Un chapitre entier est consacré à l'album dans l'ouvrage.
Hommage[modifier | modifier le wikicode]

L'album This Is Madness des Last Poets fait de nombreuses références à l'œuvre de John Coltrane, et en particulier l'album A Love Supreme dans la chanson Black People What Y'all Gon' Do.
Notes[modifier | modifier le wikicode]

↑ Il est toutefois possible que certains des overdubs datent du lendemain. On distingue plusieurs voix lors du passage chanté de Acknowledgement et une autre partie de saxophone à la fin de Psalm
↑ Arnaud Merlin, 100 disques indispensables jazz, Télérama hors/série, juin 1994.
↑ A Love Supreme (Deluxe Edition), Impulse!, 2002
↑ Pacal Bussy, Coltrane, Librio musique, 1999.
↑ impulse! >la pulsion jazz; FIP, Fnac, 1999
↑ D'après Lewis Porter, Jazzman n°137 août 2007, p.81.
↑ (en) The RS 500 Greatest Albums of All Time [archive]
↑ Pacal Bussy, op. cit. p. 54.
↑ Cette indication cryptée signifie que le poème de Coltrane qui figure aussi dans la pochette de l'album est "récité" sans parole par son phrasé au saxophone. Lewis Porter, op.cit., p.80.

Queens of the Stone Age ...Like Clockwork

Informations générales
Pays d'origine États-Unis
Genre musical rock alternatif, stoner rock, rock industriel, heavy metal, metal alternatif
Années actives Depuis 1997
Labels MCA
Interscope
Site officiel qotsa.com
Composition du groupe
Membres Josh Homme, Troy Van Leeuwen, Michael Shuman, Dean Fertita, Jon Theodore
Anciens membres Mark Lanegan, Nick Oliveri, Van Conner, Alfredo Hernández, Victor Indrizzo, Dave Grohl, Joey Castillo,
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Queens of the Stone Age est un groupe rock des États-Unis fondé en 1996 à Palm Desert, en Californie, suivant la dissolution du groupe Kyuss. Parfois classé comme stoner rock ou hard rock, Queens of the Stone Age (abrégé QotSA) a connu de nombreux changements de personnel au fil des années. Josh Homme (chant et guitare) est le seul membre fondateur à apparaître sur tous les albums du groupe.
Sommaire  [masquer]


Les débuts (1996-1999)[modifier]
Après la séparation du groupe Kyuss, Josh Homme décide de créer son propre groupe. Il s'entoure alors de Matt Cameron (ex-Soundgarden et Pearl Jam) à la batterie, Van Conner (ex-Screaming Trees) à la basse et John McBain de Monster Magnet à la guitare.
Le groupe s'appelle alors Gamma Ray et réalise un premier EP sobrement intitulé Gamma Ray en janvier 1996. Homme doit alors changer le nom du groupe, puisqu'un groupe de power metal allemand utilisant déjà ce nom les menace de les poursuivre en justice s'ils ne changent pas de nom. Josh Homme choisit alors le nom Queens of the Stone Age. Il aurait choisi ce nom suite à une blague lancée par Chris Goss lors d'un enregistrement studio avec Kyuss. Homme ajoute :
« Kings of the Stone Age aurait été trop macho, ils portent une armure, ont des haches et se battent. Les Reines de l'âge de pierre traînaient avec les copines des Rois de l'âge de Pierre quand ils sont partis se battre. C'est aussi un nom que Chris Goss nous a donné. Le rock devrait être suffisamment lourd pour les garçons et assez doux pour les filles.  »
— Josh Homme
En décembre de la même année, le groupe sort un split-album, Kyuss/Queens of the Stone Age, premier album sous le nom Queens of the Stone Age. Il contient trois titres enregistrés avant la séparation de Kyuss et trois nouvelles chansons enregistrées par QOTSA. Suite à la sortie de l'album, Homme se sépare de McBain et Cameron et engage Alfredo Hernández à la batterie. En 1998 sort le premier album studio du groupe, Queens of the Stone Age. Bien reçu par la critique, l'album est certifié disque d'argent au Royaume-Uni avec près de 60 000 copies vendues. Allmusic salue le nouveau genre de musique créé par Josh Homme et une créativité débordante, qui évite la comparaison avec son ancien groupe Kyuss1.
Bien que toutes les chansons soient écrites par Josh Homme et Alfredo Hernández, l'album contient plusieurs collaborations avec notamment Chris Goss qui ajoute une ligne de basse et fait les chœurs sur deux chansons. Enfin Dave Catching et Nick Oliveri, un ancien membre de Kyuss, apparaissent aussi sur l'album. Peu de temps après la sortie de Queens of the Stone Age, Nick Oliveri et Dave Catching rejoignent le groupe à la basse et la guitare pour la tournée suivante.
Rated R (1999-2001)[modifier]
En 2000 sort le second album du groupe intitulé Rated R. Écrit entièrement par Josh Homme et Nick Oliveri, l'album comporte une pléiade de collaborations. Encore une fois Chris Goss fait une apparition à la basse, au chœurs et au piano, Mark Lanegan du groupe Screaming Trees fait des chœurs, mais on retrouve aussi Barett Martin du même groupe à la batterie, Mike Johnson du groupe Dinosaur Jr, et enfin plusieurs membres du cercle proche de Josh Homme aux chœurs sur différentes chansons.
Contenant de nombreuses références à la drogue et à l'alcool tel que dans la chanson Feel Good Hit of the Summer le symbol Rated-R (ou classé X en français) du Motion Picture Association of America apparaît sur le côté de la pochette de l'album. Rated R marque la première collaboration de Mark Lanegan sur un album de Queens of the Stone Age, il participera ensuite à chaque album du groupe.
Pour de nombreux critiques, Rated R marque un net penchant vers le stoner rock, avec un son plus lent et plus travaillé2, et les riffs de Homme sont parfois comparés à ceux de Black Sabbath.
Rated R devient disque d'argent au Royaume-Uni et suite à ce succès le groupe joue à l'Ozzfest pour la première fois et part en tournée avec des groupes comme Smashing Pumpkins ou Foo Fighters. Enfin pour cette tournée le groupe accueille Mark Lanegan comme membre permanent au chant.
Songs for the Deaf (2001-2004)[modifier]


Nick Oliveri au 2003 V Festival
Après la tournée suivant la sortie de Rated R, Homme et Oliveri entrent en studio pour enregistrer son successeur. Pour cet album Homme convainc son ami Dave Grohl (Foo Fighters, ex-Nirvana) de rejoindre le groupe et participer aux sessions de batterie pour Songs for the Deaf. Tout comme l'album précédent, cet opus est réalisé avec la collaboration de nombreux invités, parmi lesquels le multi-instrumentaliste Alain Johannes, la claviériste Natasha Schneider, Chris Goss, Paz Lenchantin (A Perfect Circle), ou encore Jeordie White (Marilyn Manson).
À sa sortie le 27 août 2002, Songs for the Deaf est largement reconnu par la critique comme le meilleur album des QOTSA à ce jour3, permettant au groupe de gagner son premier disque d'or aux États-Unis. Songs for the Deaf est un album-concept, emmenant la personne qui écoute du Désert de Mojave à Los Angeles, en écoutant des bribes de stations de radio. Le magazine Entertainment Weekly écrit : « c'est le meilleur album de hard-rock de l'année »4, Splendid ajoute : « Songs for the Deaf est un nouveau genre, aussi dur que le titane, semblable à une démolition. Ce n'est pas le heavy metal de votre père. C'est mieux. ».
Ainsi le nouvel album des QOTSA propulse le groupe vers le succès et se vend à plus d'un million d'exemplaires à travers le monde, MTV diffuse plusieurs fois par jours les singles No One Knows et Go With the Flow. Pour beaucoup d'observateurs, Songs for the Deaf est devenu un classique du rock en général, et le duo Homme/Oliveri est l'un des plus imaginatifs et productifs depuis longtemps5. Le succès de cet album est également attribué à la performance de Dave Grohl et à l'alchimie particulière qui liait les membres du groupe à cette époque.
La tournée de promotion de l'album voit l'arrivée de Troy Van Leeuwen (A Perfect Circle) à la guitare. Après plusieurs concerts avec le groupe, Dave Grohl choisit de laisser sa place à Joey Castillo pour rejoindre les Foo Fighters.
Fin 2004, Josh Homme déclare à la BBC Radio 1 qu'Oliveri est viré du groupe, Josh Homme étant alors convaincu qu'Oliveri battait sa femme. Il déclare ceci : « Il y a quelques années, j'ai parlé à Nick d'une rumeur que j'avais entendue. Je lui ai dit que si jamais c'était vrai, je ne le connaîtrais plus »6.
Lullabies to Paralyze (2004-2006)[modifier]


Le groupe en entier en concert au Wireless Festival, 2007
En 2005, Homme, avec Alain Johannes et les membres restants du groupe Van Leeuwen et Castillo, enregistre le quatrième album du groupe intitulé Lullabies to Paralyze, le titre étant tiré de la dernière phrase de la dernière chanson de l'album Songs for the Deaf.
Le nouvel album du groupe comporte moins de collaborations mais accueille Billy Gibbons du groupe ZZ Top, Brody Dalle (membre du groupe The Distillers et épouse de Josh Homme) et Shirley Manson (chanteuse du groupe Garbage). Même si Mark Lanegan affirme ne plus vouloir jouer avec le groupe, il contribue tout de même sur l'album et reste avec Josh Homme. Lullabies to Paralyze sort officiellement le 22 mars 2005 aux États-Unis et démarre en trombe avec une cinquième place au Billboard chart américain, le meilleur classement jusqu'alors pour le groupe7.
Après le succès de Songs for the Deaf, l'attente était très grande pour cet album, et la critique fut dans l'ensemble positive, considérant l'album comme le plus sombre de la discographie du groupe. Tout en conservant ces riffs accrocheurs et ce son psychédélique si caractéristique de QOTSA, il en reste néanmoins selon la critique étrange, frais et excitant8. Cependant Josh Homme considère que Lullabies to Paralyze est le point le plus bas du groupe à ce jour9.
Era Vulgaris (2006-2008)[modifier]
Le groupe rentre en studio en février 2007, et finit l'enregistrement en avril. Le nom de l'album, Era Vulgaris, est alors dévoilé. Alors que l'album Songs for the Deaf fut inspiré à Josh Homme durant un voyage en train dans le désert de la Californie du Sud (où la couverture réseau laissait tant à désirer que même la radio captait mal, d'où le titre ..), pour Era Vulgaris ce fut d'une balade en voiture à travers Hollywood. Le titre de l'album signifie en latin Ère commune10.
Alors que plusieurs collaborations étaient annoncées, avec entre autres Julian Casablancas des Strokes, Billy Gibbons de ZZ Top, Mark Lanegan et Trent Reznor de Nine Inch Nails, seules celles de Casablancas, Reznor et Lanegan furent retenues pour l'album, le chanteur des Strokes participant à la guitare et aux chœurs sur la chanson Sick, Sick, Sick et Lanegan chantant sur la chanson River in the Road. Pour l'enregistrement et le mixage de l'album, Homme s'entoure de Alain Johannes, alors que la production est assurée par Homme lui-même et Chris Goss. Enfin Troy Van Leeuwen et Joey Castillo participent eux aussi à l'écriture de l'album avec Homme.
À la sortie de l'album la critique décrit Era Vulgaris comme « Un nouveau genre rétro »11, « une fusion de punk rock, de blues et une touche de musique sudiste »12. Malgré tout plusieurs critiques surviennent, et notamment, selon The Guardian « il manque la touche de l'ancien bassiste Oliveri »13, et malgré le son très particulier le l'abum, la critique regrette parfois également le manque d'originalité du groupe et le manque de « chanson accrocheuse dont on se rappelle facilement » d'après Entertainment Weekly14.
Era Vulgaris se vend à 223 000 copies aux États-Unis et 600 000 mondialement, cependant l'album tout comme son prédécesseur n'a jamais réussi à atteindre le record de vente de l'album Songs for the Deaf vendu à 986 000 copies sur le seul territoire américain.
Pour la tournée de l'album le bassiste Michael Shuman et Dean Fertita remplacent Alain Johannes et Natasha Shneider dans le groupe.
Suite à la tournée suivant la sortie de l'album Era Vulgaris, chaque membre du groupe a rejoint ses groupes ou projets respectifs. Ainsi Joey Castillo joue avec les Eagles of Death Metal, groupe créé par Josh Homme et Jesse Hughes, Michael Shuman est bassiste avec le groupe Mini Mansions, Dean Fertita est guitariste des The Dead Weather, et enfin Van Leeuwen a créé le groupe Sweethead.
De son côté Josh Homme a enregistré un album de son side-project, intitulé Them Crooked Vultures, avec Dave Grohl des Foo Fighters et John Paul Jones, ancien bassiste de Led Zeppelin. Josh Homme a également produit 7 titres du troisième album des Arctic Monkeys appelé Humbug, sorti dans les bacs le 24 septembre 2009.
...Like Clockwork (2009-présent)[modifier]
L'enregistrement du successeur de Era Vulgaris a été mentionné depuis 200815, mais il ne commencera qu'en août 201216.
En mars 2011, Homme déclare : “Doing the rehearsals for the first record is really defining the new one. It's been turning the new record into something else. What we were doing was kind of bluesy, and now it's turned into this trancey, broken thing. The robots are back !” (« Faire des répétitions pour le premier enregistrement est une réelle définition de la nouveauté. Il s'agit de transformer le nouvel enregistrement en quelque chose d'autre. Ce que nous faisions s'apparentait à un genre de blues, et maintenant ça s'est transformé en une sorte de trance, un brisement des choses. Les robots sont de retour ! »)17.
Selon les dires de Homme, l'album devrait être terminé pour la fin 2012. Il a annoncé à la BBC Radio 1 : “We're going to take our one last break that we would get for a month, come back and do Glastonbury, then immediately jump in the studio. Our record will be done by the end of the year. We have enough songs.” (« Nous allons prendre notre dernière pause pour le mois à venir, revenir et jouer à Glastonbury, puis filer immédiatement en studio. Notre enregistrement sera terminé d'ici la fin de l'année. Nous avons assez de chansons. »)18.
Le 20 août 2012, le groupe annonça via un statut Facebook qu'ils enregistraient leur nouvel album19.
En septembre 2012, il a été révélé que Josh Homme et le producteur Dave Sardy ont coécrit et enregistré une chanson intitulée Nobody to Love qui est présente durant le générique de fin du film End of Watch20,21.
Le 6 novembre 2012, le groupe révèle toujours via Facebook la présence de Dave Grohl officiant à la batterie pour ce nouvel opus, Joey Castillo quittant le groupe. Josh Homme le confirme lors d'une interview donnée pour la chaîne de radio BBC Radio 1 22.
Le 26 mars 2013, le groupe annonce officiellement la sortie de son sixième album studio pour le mois de juin 2013. Celui-ci s'intitulera ...Like Clockwork, et sortira sur le label indépendant Matador Records. Outre Dave Grohl, cet album comptera la participation de Elton John, Mark Lanegan, Nick Oliveri, Trent Reznor ou encore Alex Turner. Une tournée mondiale est prévue dans les prochains mois pour promouvoir ce nouvel opus23.
Le 30 mars 2013, la formation a joué un nouveau titre intitulé My God Is The Sun lors de sa prestation au festival Lollapalooza Brasil qui marquait le début de sa tournée mondiale. Lors de ce concert, Josh Homme a officiellement introduit le nouveau batteur Jon Theodore qui remplace Joey Castillo24.
Le 8 avril 2013, le titre My God Is The Sun est officiellement publié sur leur site, ce qui en fait le premier single de l'album. Celui-ci est prévu pour le 3 juin 2013.
Style musical[modifier]

Tout au long de son évolution, le groupe a été assimilé au hard rock, au rock alternatif, au art rock, au heavy metal, ainsi qu'au stoner rock. Josh Homme a déjà dit trouver le terme stoner rock inadéquat pour définir le groupe, et décrit plutôt le son de QotSA comme étant du robot rock, faisant allusion aux riffs lourds, répétitifs et saccadés qui caractérisent la structure des chansons de la formation.
Homme décrit le premier album du groupe, Queens of the Stone Age, comme de la musique de conduite : angulaire et drue. Le magazine Rolling Stone note aussi : « une connexion entre le rock américain du début des années 70 intitulé Meat & Potatoes macho rock comme les groupes Blue Cheer et Grand Funk Railroad et la musique drone du rock allemand de la même époque ».
L'album suivant Rated R, voit le groupe employer une plus large variété d'instruments, de même que la présence de plusieurs invités. Le chant est partagé entre Homme, Oliveri et Lanegan. Ainsi Josh Homme commente : « Notre premier album annonçait notre son. Celui-ci introduits des éléments qui nous différencient et amènent une certaine étrangeté ».
Le troisième opus, Songs for the Deaf, continue de pousser l'expérimentation et se s'inscrit comme un album concept, qui emporte l'auditeur dans un long périple en voiture à travers le désert de l'ouest des États-Unis. Les morceaux de Songs for the Deaf se présentent comme autant de pièces jouées à la radio en cours de route, entrecoupées du grésillement typique de la syntonisation des chaînes radio. On y entend des annonceurs, des évangélistes, des auditeurs, de même qu'une panoplie d'autres personnages étranges. Le chant est encore ici divisé entre les mêmes trois membres (Homme, Oliveri et Lanegan). On notera que cette incarnation de la formation comprend Dave Grohl à la batterie.
Le quatrième album, Lullabies to Paralyze, est, en comparaison avec ses précurseurs, beaucoup plus sombre. Il s'agit du premier album de Queens of the Stone Age sur lequel Nick Oliveri n'apparaît pas. Les paroles de Lullabies sont considérablement plus noires, souvent inspirées des contes des frères Grimm, de contes folkloriques et de contes de fées. Le groupe n'utilise d'ailleurs pour cet album pratiquement que des guitares semi-acoustiques. En résultent des morceaux souvent teintés d'une atmosphère mi-enjouée, mi-menaçante, mus par une langueur à la fois sombre et sensuelle. Billy Gibbons de ZZ Top figure parmi les collaborateurs de cet album.
Dans l'ensemble, Era Vulgaris, cinquième effort de la formation, voit le groupe délaisser les contes de fée pour se tourner vers des tonalités plus dansantes et électroniques (quoique toujours bien ancrées dans le robot rock caractéristique du son du groupe). Cette sortie marque le retour de Homme comme seul chanteur principal. On note parmi les collaborateurs ayant participé à la réalisation de Era Vulgaris la présence de Trent Reznor et de Julian Casablancas.
Historique des formations[modifier]


Membres récurrents[modifier]
Musician Queens of the Stone Age (1998) Rated R (2000) Songs for the Deaf (2002) Lullabies to Paralyze (2005) Era Vulgaris (2007) ...Like Clockwork (2013)
Alain Johannes
Brody Dalle
Chris Goss
Dave Catching
Dave Grohl
Gene Trautmann
Jesse Hughes
Joey Castillo
Mark Lanegan
Mike Johnson
Nick Oliveri
Trent Reznor
Troy Van Leeuwen
Discographie[modifier]


S

The National Trouble will find me

En 1991, Matt Berninger et Scott Devendorf forment leur premier groupe, Nancy, avec trois autres membres à l'université de Cincinnati, dans l'Ohio, mais le groupe se sépare en 1998 quand Matt et Scott vont à New York. Scott appelle alors son frère Bryan pour qu'il se joigne à eux, et ce dernier fait intégrer la nouvelle formation à deux de ses amis, Aaron et Bryce Dessner1. Le groupe se forme en 1999 sous le nom de The National, nom choisi pour son absence de signification2.
Le groupe donne peu de concerts avant de sortir, en 2001, leur premier album, The National. Le disque ne sortira toutefois pas en France, mais y trouve un écho favorable grâce au soutien du webzine POPnews, qui en publie une critique très positive3. The National donne son premier concert français à la Guinguette Pirate de Paris, en décembre 20024.
Le second album du groupe, Sad Songs for Dirty Lovers, sort dans un premier temps en France, au printemps 2003, grâce au label bordelais Talitres, avant de sortir aux États-Unis en septembre. La notoriété du groupe grandit en France grâce au soutien du quotidien Libération et de la station de radio France Inter. Ce second album est très bien reçu par la critique spécialisée : les sites américains Pitchfork Media et Drowned In Sound lui donnent respectivement une note de 8,4/105 et de 9/106, tandis que le magazine Uncut et le journal Chicago Tribune l'élisent album de l'année7. En 2004 sort le Cherry Tree EP, compilation d'inédits et de live. La même année, The National signe avec la maison de disques britannique Beggars Banquet Records.
Alligator, troisième album du groupe, sort en 2005. Il est acclamé par la critique et le Los Angeles Times et les magazines Insound et Uncut le classent parmi les meilleurs albums de l'année8. Le groupe part en tournée pour assurer la première partie de Clap Your Hands Say Yeah et Editors et est à l'affiche d'un grand nombre de festivals estivaux en 2006.


Matt Berninger lors de l'édition 2007 de La Route du Rock.
En 2007 sort Boxer, quatrième album de la formation, qui est aussi bien accueilli que les albums précédents par la presse spécialisée9. C'est le premier album du groupe à connaître un certain succès commercial puisqu'il arrive à la 68e place du classement Billboard 200 aux États-Unis10 et au 57e rang dans les charts britanniques11. Le groupe assure la première partie de R.E.M. et se produit dans plusieurs festivals parmi les plus prestigieux, tels que le Festival de Roskilde, le Glastonbury Festival, Rock Werchter, et le Festival International de Benicasim.
A Skin, a Night, un documentaire réalisé par Vincent Moon sur la vie du groupe pendant l'enregistrement de Boxer, sort en mai 2008 et est accompagné du Virginia EP qui réunit des faces-B et des live. Lors de l'élection présidentielle américaine de 2008, les membres du groupe soutiennent la candidature de Barack Obama12. La même année, Aaron et Bryce Dessner collaborent avec le compositeur de musique minimaliste Steve Reich pour l'enregistrement et l'exécution de la pièce 2×5. Les deux frères s'investissent en 2009 en tant que producteurs dans la compilation Dark Was the Night, vendue au bénéfice de la lutte contre le SIDA13.
Le cinquième album du groupe, High Violet sort l'année suivante, et reçoit le même accueil triomphal que ses prédécesseurs de la part de la critique14. Cet album consacre également la formation auprès du public puisqu'il atteint la 3e place du classement Billboard 200 aux États-Unis10, le 5e rang des charts britanniques11 et devient disque d'or dans de nombreux pays. High Violet remporte le Q Award du meilleur album en 201015.
En 2011, le groupe compose Exile Vilify, un titre exclusif à Portal 2, un jeu vidéo développé par Valve Corporation. En 2012, le groupe, et notamment Matt Berninger, enregistre la chanson The Rains of Castamere (Les Pluies de Castamere en français) pour la saison 2 de la série Le Trône de fer, chanson dont les paroles sont tirées du troisième tome de la saga, A Storm of Swords. Elle apparaît chantée par un groupe de Lannister durant le neuvième épisode, puis lors du générique de fin, cette fois-ci interprétée par The National16. Lors de la campagne pour l'élection présidentielle américaine de 2012, le groupe soutient à nouveau la candidature de Barack Obama17.
Le 6e album studio du groupe, Trouble Will Find Me, sort le 21 mai 2013.

Lenine Renaud Mets tes faux cils deviens marteau

LÉNINE RENAUD

Quand deux ex-meneuses de revue (Franck, chanteur de Marcel et son Orchestre et Cyril, guitariste des VRP) rencontrent un contrôleur de gestion amoureux d'une contrebasse, et qu'au passage ils ramassent deux basketteurs sans  ballon, que font-ils ?

Ils parlent fort, rient joyeusement, vident des verres et en toute fin de soirée, ils envisagent même d'organiser une révolution sonnante et quelque peu trébuchante. Bientôt équipés de banjo, mandoline et accordéon, ils créent Lénine Renaud, parce que Guns n'Roses, c'était pas dans la ligne du parti pris. Un voisin qui passait par là est venu proposer sa guitare. La formation est depuis au complet (faut pas déconner non plus, c'est pas l'auberge du bon pâté).

Alors si nous comptons bien, Lénine Renaud est un duo composé de six musiciens. Sur des airs de pas y toucher, leurs chansons -parce que c'est ce qu'ils font- taillent de tendres ou féroces portraits, racontent la grande aventure du quotidien, la revanche des causes perdues, ricanent des marchands de certitudes, ou encore des fous de Dieu.

Ces adolescents bien défraîchis sont des affectifs, alors pour
pas choper tous les rhumes ils se protègent à coups de gestes
maladroits et de franches rigolades.

Disponible dans toutes les jolies salles des fêtes.